jueves, 15 de septiembre de 2011

The Imaginarium of Doctor Parnassus

Tom Waits ūüé© es un artista √ļnico, ecl√©ctico e inquieto, de voz lijosa, quien no ha podido ser etiquetado bajo ning√ļn g√©nero o subg√©nero musical; lo cual ya dice mucho de su capacidad para reinventarse o incluir nuevos ritmos en sus cortes. En su biograf√≠a, no autorizada se detalla que es "(...)influenciado por la escritura beatnik de William Burroughs o Jack Kerouac y los sonidos primarios del jazz, el blues...el cabaret, las composiciones pop del Tin Pan Alley, la vanguardia, Lenny Bruce, Harry Partch, Louis Armstrong, el burlesque, Kurt Weill o el rock experimental.

Creador y espejo de outsiders dados al alcohol y a la bohemia que pueblan ambientes tan sórdidos como románticos, tan míseros como fascinantes, tan teatrales como reales, Tom Waits es uno de los grandes personajes de la historia del rock, un crooner noctívago del lumpen, de los clubes de barrios bajos llenos de alcohol y humo(...)". Imposible escribir algo mejor que ese párrafo citado.

La ascendencia de Thomas Alan Waits es noruega, irlandesa y escocesa. Naci√≥ en California un 7 de diciembre del '59 (hijo de la revoluci√≥n). Gran admirador de Bob Dylan, con quien se lo comparaba en cuanto a la capacidad l√≠rica.

Tom, al mismo tiempo que estudiaba, trabajaba a mediados de los a√Īos 60 en la pizzer√≠a Napoleone Pizza House de National City. De su estancia all√≠, lugar en donde escuch√≥ mucha m√ļsica en el jukebox del local durante cinco a√Īos, dio buena cuenta en algunas posteriores grabaciones, entre ellas “The Ghost Of Saturday Night”.

En esa √©poca, cuando ten√≠a 15 a√Īos, form√≥ parte de su primera banda, The Systems, un combo que interpretaba temas soul y R&B.

A finales de la década de los 60 comienza a leer a los escritores de la Generación Beat, como Burroughs o Kerouac, quienes influenciaron de manera notable sus composiciones, interpretadas en directo por primera vez a finales de 1970 con el nombre de Thomas Waits.

En junio del siguiente a√Īo Waits fue descubierto por Herb Cohen en el club angelino Troubadour. Cohen, m√°nager de Frank Zappa, se convirti√≥ en el representante de Tom, quien se traslad√≥ definitivamente desde San Diego a Los Angeles, ciudad en la que residi√≥ en principio y durante breve tiempo en su propio coche.

----0----
The Imaginarium of Doctor Parnassus, es una pel√≠cula de fantas√≠a dirigida por Terry Gilliam y escrita por Gilliam y Charles McKeown. En la pel√≠cula, el l√≠der de una compa√Ī√≠a teatral, mediante un trato con el Diablo, hace pasar a los miembros de su audiencia a trav√©s de un espejo m√°gico para explorar su imaginaci√≥n. Christopher Plummer, Tom Waits, Heath Ledger protagonizan la pel√≠cula, pese a que la muerte de Ledger, ocurrida durante la filmaci√≥n, suspendi√≥ temporalmente la producci√≥n. Johnny Depp, Jude Law, y Colin Farrell completaron el papel, personificando transformaciones del personaje de Heath, Tony, a medida que viaja por un mundo irreal. La pel√≠cula se estren√≥ el 23 de octubre de 2009.


Como sucede en toda muerte trágica, la muerte de Ledger provocó que algunos de sus amigos decidieran apostarle al proyecto que ya de por sí contaba con un presupuesto bajo, pero inusualmente elevado para el tipo de producción independiente. Así pues, ellos también decidieron donar sus ganancias a la hija de Ledger, quien no estaría en el testamento inicial.

En todo caso, reunir a un elenco que puede producir una película sobre otra, es una obra que vale la pena ser disfrutar por la cantidad de detalles; casi como apreciar un mandala fílmico.

Aquí una de las escenas icónicas de la película:



s√°bado, 13 de agosto de 2011

"(...)Las arterias llenas de etcéteras(...)"


El "Gran Teatre de Liceu", creado en 1847 en la Rambla de Barcelona, ​​es un teatro de √≥pera que ha mantenido a lo largo de los a√Īos su funci√≥n de centro cultural y art√≠stico.

Hoy en d√≠a, y gracias a sus m√°s de 150 a√Īos, es considerado uno de los s√≠mbolos de la ciudad y el teatro m√°s amtiguo y prestigioso de Barcelona. Actualmente es un teatro de titularidad p√ļblica (Generalitat de Catalunya, Ayuntamiento de Barcelona, ​​Diputaci√≥n de Barcelona, ​​Ministerio de Cultura), administrado por la Fundaci√≥n del Gran Teatro del Liceo, que incorpora, adem√°s de las instituciones mencionadas, el Consejo de Mecenazgo y la Sociedad del Gran Teatro del Liceo.

En su piso han desfilado los mejores int√©rpretes de la canci√≥n nacional espa√Īola e internacional.

Su historia cuenta con varios episodios trágicos como una bomba lanzada por un anarquista, que llevó consigo 20 muertos, en 1893.


Otro incidente hist√≥rico afect√≥ al teatro a comienzos de la Guerra Civil espa√Īola cuando, en 1936, el Liceu fue expropiado, nacionalizado y convertido por las autoridades republicanas en Teatro del Pueblo Catal√°n.

En 1939, a principios de la dictadura franquista, volvió a los antiguos propietarios en el mismo régimen de siempre.
El Liceo ha sufrido dos incendios que lo han destruido totalmente: el primero fue el 14 de abril de 1861, que destruy√≥ totalmente la sala y el escenario, y que oblig√≥ a tener cerrado el teatro, por las tareas de reconstrucci√≥n, durante un a√Īo y seis d√≠as; y el segundo incendio, ocurrido el 31 de enero de 1994.


Tras este √ļltimo, el teatro ha sido reconstruido y mejorado, respetando su decoraci√≥n y estilo originales, responsables de su apreciada sonoridad, y con importantes mejoras tecnol√≥gicas que lo han convertido en uno de los teatros m√°s modernos del mundo.

Al respecto de este √ļltimo incendio:

"El incendio de 1994: entre las diez y media y once menos cuarto de la ma√Īana del 31 de enero, mientras dos operarios trabajaban en la reparaci√≥n del tel√≥n de acero que, en caso de incendio, ten√≠a que impedir que el fuego pasara del escenario a la sala (otra iron√≠a del destino), las chispas de su soplete prendieron en los pliegues del cortinaje fijo de tres cuerpos que escond√≠a la parte alta del escenario.

Algunos trozos encendidos de ropa cayeron al suelo, y aunque los trabajadores se apresuraron en apagarlos y se baj√≥ el tel√≥n de acero, todo fue in√ļtil: las llamas ya hab√≠an saltado al tel√≥n de terciopelo y sub√≠an hasta el telar y el techo.


El fuego era ya incontrolable cuando los bomberos llegaron minutos despu√©s de las once. Puede que un poco tarde porque, seg√ļn parece, los trabajadores hab√≠an tratado de apagar el fuego con los medios a su alcance en vez de llamar inmediatamente a los servicios de extinci√≥n. El incendio caus√≥ una gran conmoci√≥n en la sociedad catalana y en el mundo de la √≥pera en general.

Gracias al apoyo de las instituciones, al patrocinio de empresas, y a las donaciones particulares, fue reconstruido en un tiempo récord, pudiendo de nuevo abrir sus puertas en 1999."



Pese a ser un escenario muy acontecido, ha logrado mantener su estructura original gracias al apoyo internacional y a que cada remodelaci√≥n / ampliaci√≥n ha sido cuidadosamente dise√Īada para no excluir parte alguna del concepto original del siglo XIX.

A quien le interese visitarlo, la dirección del Liceu es la siguiente:

La Rambla, 51-59
08002 Barcelona
934 859 900




---0---



El 30 de Noviembre del 2006, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona abri√≥ por primera vez las puertas al rock nacional espa√Īol para acoger la presentaci√≥n en directo de "El tiempo de las cerezas (Capitol-Emi, 06)", debut conjunto de Enrique Bunbury y Nacho Vegas. Aquella noche, y tras un a√Īo y medio apartado de los escenarios, el artista aragon√©s aparec√≠a en el templo de la l√≠rica ante dos mil personas venidas de distintas partes del mundo que no quer√≠an perderse la defensa de un √°lbum que acabar√≠a siendo inclu√≠do en el Top-10 de todas las revistas musicales. El cantautor asturiano, por otra parte, tampoco olvidar√° esa fecha pues signific√≥ la consagraci√≥n de una propuesta que le ha llevado a colgar el cartel de "No hay billetes" en todas las paradas de su reciente gira en solitario.


Por tanto, decir que aquel concierto fue histórico no es exagerar sino hacer honor a una verdad que, afortunadamente, quedó inmortalizada en celuloide y que, a gracia de los cientos y miles de aficionados de estos dos grandes cantautores, fue publicada en formato DVD.

Pero como no pod√≠a ser de otra manera, el testimonio f√≠lmico de la primera y √ļnica actuaci√≥n de Bunbury y Vegas en Espa√Īa viene enriquecido por un extracto de la otra presentaci√≥n, con cinco gemas musicales y versiones in√©ditas del concierto, que ambos ofrecieron en el Teatro Metropolitan de M√©xico D.F.(personalmente hay una veris√≥n de 'El rumbo de tus sue√Īos' donde se podr√≠a decir que los o√≠dos llegan al √©xtasis total luego de escuchar el d√ļo de voces del final. Ana Bel√©n coincide conmigo); adem√°s, incluye cuatro videoclips, entre ellos dos absolutamente in√©ditos: el de 'Puta Desagradecida', rodado en tierras aztecas, y el de 'No fue bueno, pero fue lo mejor', protagonizado por el actor Oscar Jaenada, ganador de dos premios Goya por las pel√≠culas Camar√≥n y Noviembre.

CR√ćTICA: Para mi, del 1 al 10, le doy un 11. Un DVD digno de verse al menos 13 veces.

Este es el listado de temas del disco:


-Gran Teatro Liceo:
01. Actos inexplicables (Nacho Vegas)
02. D√≠as extra√Īos (Nacho Vegas)
03. No fue bueno, pero fue lo mejor (Enrique Bunbury)
04. Va a empezar a llover (Nacho Vegas)
05. Ahora (Enrique Bunbury)
06. El cazador (Nacho Vegas)
07. Blanca (Nacho Vegas)
08. Bravo (Luis Demetrio)
09. La fin (Nacho Vegas)
10. Gang-Bang (Nacho Vegas)
11. La chica triste que te hacía reir (Enrique Bunbury)
12. En la espina dorsal del universo (Enrique Bunbury)
13. El rescate (Enrique Bunbury)
14. De esclavitud y de cadenas (Enrique Bunbury)
15. Puta desagradecida (Enrique Bunbury)
16. Secretos y mentiras (Nacho Vegas)
17. Los restos del naufragio (Enrique Bunbury)
18. El hombre que casi conoció a Michi Panero (Nacho Vegas)
19. L√°tex (Nacho Vegas/Enrique Bunbury)
20. El tiempo de las cerezas (Enrique Bunbury)



-Metropolitan:
01. El rumbo de tus sue√Īos (Enrique Bunbury)
02. Serie negra (Nacho Vegas)
03. El viento a favor (Enrique Bunbury)
04. La pena o la nada (Nacho Vegas)
05. Por la paz y la canción (Nacho Vegas)
(Cabe destacar que el sound track elegido para mostrar los cr√©ditos del final es una versi√≥n de "La virgen de Guadalupe", inmortalizada por dos integrantes de los Tigres del Norte a√Īos antes.

-Videoclips:
01. D√≠as extra√Īos
02. No fue bueno, pero fue lo mejor
03. Puta desagradecida
04. Welcome to el callejón sin salida

.
Solicit√© el paquete desde Espa√Īa y lleg√≥ un d√≠a s√°bado laboral del a√Īo anterior. Esa misma noche, nos reunimos en 'Rockotitl√°n' con varias bebidas espirituosas. En un punto de la noche √©ramos tres almas frente al televisor, cada uno entonando a todo pulm√≥n, con m√≠micas aprendidas, casi llorando con cada canci√≥n. No se si puedo describir exactamente lo que se sinti√≥, pero recomiendo much√≠simo este disco como premio a cualquier bunburiano-nachero luego de a√Īos de seguir cada paso de ellos. Lo digo as√≠ porque tal vez la dimensi√≥n no es la misma si uno ve primero este disco y luego regresa a los m√°s antiguos. Es como la c√ļspide de una √©poca, el punto final del viaje a ninguna parte...en fin. Son tantas ideas que mejor no inmortalizo m√°s palabras. Salud!!.

Fuentes: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7

Aquí una canción histórica de ese disco:



LA FIN.

lunes, 4 de julio de 2011

L 'Italiano / Olen suomalainen

Kari Tapio fue un cantante finland√©s especializado en schlager. Durante las d√©cadas de 1970 y 1980 fue uno de los cantautores m√°s populares de su pa√≠s, y permaneci√≥ en activo durante 38 a√Īos.

Kari Tapio comenzó a cantar en varios clubes y locales de Pieksämäki (lo mejor del finlandés son sus diéresis!!!!!) y Finlandia Oriental, a través de varias bandas locales, con las que comienza a destacar musicalmente. Tapio no se dedicó por entonces al mundo de la canción profesional, ya que lo compaginó con otro trabajo como mecanógrafo.

Logr√≥ la fama como cantante reconocido durante un concierto de Ilkka Lipsanen en 1972, cuando sorprendi√≥ al p√ļblico asistente con su actuaci√≥n. Sus canciones tambi√©n gustaron a Ilkka, que decidi√≥ contratarlo para que actuase con √©l durante el resto de su gira. Posteriormente Tapio decide emprender su carrera en solitario y en 1976 debuta con un single, Laula kanssain, con el que alcanza buenas posiciones en las listas finesas. A partir de ah√≠ lanz√≥ varios temas durante los a√Īos 1970 y 1980, siendo el m√°s popular de ellos Olen suomalainen, un cover de un tema de Toto Cutugno, L'Italiano, que se hizo tremendamente popular en Finlandia.

Regres√≥ a un plat√≥ de televisi√≥n en 2008 al presentarse a la preselecci√≥n para representar a Finlandia en el Festival de la Canci√≥n de Eurovisi√≥n, donde fue recibido como una celebridad. Kari Tapio qued√≥ segundo y s√≥lo fue superado por Ter√§sbetoni, ganadores de la preselecci√≥n. El artista continu√≥ en activo hasta su muerte, y desde sus inicios en 1976 lanz√≥ 27 √°lbumes y 12 recopilatorios, algunos de ellos discos de oro. En el a√Īo 2003 fue galardonado con el premio Iskelm√§-Finlandia, otorgado al mejor cantante de m√ļsica popular finlandesa.

Tapio falleci√≥ el 7 de diciembre de 2010 a los 65 a√Īos, v√≠ctima de un infarto agudo de miocardio (que entre otras cosas, es la raz√≥n principal de la muerte de hombres y mujeres en todo el mundo y la enfermedad que dio paso a la creaci√≥n de las 'paletas' de desfibrilaci√≥n).

------0-------

Rosso es una pel√≠cula finlandesa que vio la luz en el a√Īo 1985. El gui√≥n de esta obra marca uno de los primeros inentos o derivaciones de un director en el mundo del cine, por contar la historia dentro de la historia. De por s√≠ es un trabajo muy complejo puesto que los detalles de la historia sirven para dar una idea, grossa, del ambiente que tendr√° la historia dentro.

Mika Kaurism√§ki, director de la pel√≠cula, viene de una familia de cineastas de bajo perfil. Sin embargo tiene, a sus cortos 55 a√Īos, una serie de pel√≠culas en varios idiomas, y con calidad destacable; principlamente por la sobriedad con que cuenta los guiones. Dicen que ver una pel√≠cula de Mika es 'sentarse por dos horas y no querer salir de la caja de arena'. Como 'estimular fuertemente los recuerdos m√°s felices de los juegos de la infancia, en un s√°bado soleado por la ma√Īana, a tal punto de querer ir en busca de las canicas'.

En una de las escenas, mientras el asesino y el hermano de María (la víctima prófuga) van en busca de una pista de su paredero a 200 kilómetros de allí, se filma este pedazo de cielo 'Italiano:


Fuentes: 1, 2, 3, 4

miércoles, 13 de abril de 2011

"Soledad sobre ruinas"

Iris DeMent, es una cantautora norteamericana, nacida el 5 de enero de 1961, natural de Paragould (Arkansas), aunque se cri√≥ en Cypress (California) d√≥nde comenz√≥ a interesarse por la m√ļsica country y el gospel, gracias a la devoci√≥n religiosa de su familia, quienes la impulsar√≠an a dar continuidad a su carrera.

Su m√ļsica se mueve entre el folk y la m√ļsica country, influenciada por artistas de la talla de Emmylou Harris, Gram Parsons, Johnny Cash, Bob Dylan y Joni Mitchell. Edit√≥ su primer √°lbum, Infamous Angel, en 1992. Desde entonces ha editado tres √°lbumes m√°s: My Life (1994), The Way I Should (1996) y Lifeline (2004).

Es considerada toda una celebridad dentro de los int√©rpretes y compositores de la m√ļsica country-folk de esta √©poca. Su etapa de compositora, espec√≠ficamente, dio inicio a sus 25 a√Īos, aunque su lanzamiento con un trabajo discogr√°fico no vio la luz sino 6 a√Īos despu√©s, Infamous Angel (1992), cuando un sello discogr√°fico independiente de Nashville la promocion√≥. Ese mismo a√Īo, este disco ser√≠a aclamado universalmente gracias a su estilo vocal puro y evocativo, y a su sobriedad en el escenario en las presentaciones de promoci√≥n.

Pese a tener un soporte estándar en las radios locales de country, su manager lograría un acuerdo con Warner Bros a finales de 1993, con quienes haría una reedición de Infamous Angel, así como de su gran trabajo discográfico: My Life (1994).

Para los siguientes discos, vendrían cambios dramáticos tanto en su influencia musical, sonidos propios del 'rock' estacional, así como la letra de sus canciones en las que la temática se volvería mucho más crítica, invocando posiciones políticas, represión, abuso sexual, religión, políticas gubernamentales y la guerra en Vietnam. Además, el trabajo más profundo de este disco se lo calificó de introspectivo y profundamente personal.

En los siguientes a√Īos, Iris se dedicar√≠a a hacer d√ļos. En la actualidad est√° editando un nuevo disco que ha generado mucha espectativa, el mismo que ser√° publicado a finales del 2011. La carrera completa de esta artista se ha visto plagado de trabajos muy s√≥lidos ya que no ha tenido que lidiar con presiones por parte de su sello discogr√°fico.

Un dato curioso es que el título de la canción 'IRIS' de la banda The Goo Goo Dolls, fue inspirado por Iris DeMent. En un reportaje realizado al vocalista de esta banda, luego de la inclusión exitosa de esta canción en la banda sonora de la película City of Angels, confesó que una vez escrita la letra y compuesta la melodía, pasó horas pensando en el título de la canción hasta que pasó por sus manos una revista en la que aparecía la cantautora en la portada.

--0--

Mister lonely, es una película del director Harmony Korine, quien a través de la película cuenta su historia personal y las dificultades que tuvo para obtener inspiración como director de cine. Pese a tener un presupuesto muy recortado, la película ganó 100 veces más su presupuesto inicial en sus primeros 9 meses. Pasó por la selección oficial del Cannes también.

La pélicula tiene partes un poco complejas de seguir debido a la perspectiva y a una co-relación de escenas que a muchos (muchas) podría darles un aventón a los brazos de Morfeo (jaja!); sin embargo, y para aquellos más picados, curiosos y persistentes en ganar la guerra a las películas (hacer las conjeturas antes que todos pero principalmente antes que llegue el final, y así vociferar el final como si fuese 'obvio' -doble jaja!-) la película trata temas controversiales de forma prolija como la definición de la fe, institucionalizada a partir de un episodio específico 'increíble' y como el hombre en su intento fallido por comprenderlo todo cae en su propia ceguera. Para esto utiliza un lente que nos invita a la reflexión mientras la cinta corre en escasos minutos de cada una de esas escenas.

La representación del papel de Chaplin es bastante fuerte, donde hace una analogía de su bigote, queriendo decir que con una dosis mayor, o menor, de soledad, gracia y soledad, la historia pudo haberse escrito de otra forma (Chaplin-Hitler-Chaplin-Hitler). Harmony aborda la soledad y la pone en la mitad de una comunidad. Los imitadores viven, todos, en una misma casa, pero alguien más vive en medio de ellos...

Aquí una apnea del final...con una canción armónica de Iris de fondo:


Referencias: 1, 2, 3, 4, 5, 6

domingo, 3 de abril de 2011

Sobre amores inusuales

La tolerancia y la modernidad sobre todo nos ha ense√Īado que hay diferentes tipos de amores, todos son igual de validos, igual de hermosos. El cine ha retratado estos diferentes tipos de amores a trav√©s del tiempo, us√°ndolo entre los muchos argumentos que se han utilizado para hacer guiones y largometrajes. El cine gay o GLBT no se queda atr√°s, sobre todo ahora que se lo define como una categor√≠a. Grandes directores han incursionado en este discurso, as√≠ lo demuestran: Luchino Visconti, Bernardo Bertolucci, Pier Paolo Pasolini, Pedro Almod√≥var, talentosos, y sobre todo directores que han explorado esta tem√°tica de manera acertada.

Pero hay maneras peyorativas en las que se puede tratar a la homosexualidad, lamentablemente, y eso se lo ve en el cine norteamericano de manera m√°s com√ļn. Es la burla, la representaci√≥n del gay como un personaje completamente amanerado, casi mujer, que provoca burla y es a la que nos vemos relacionada de manera m√°s com√ļn. De vez en cuando, y sobre todo en este √ļltimo tiempo uno se topa con un gran descubrimiento cinematogr√°fico como Contracorriente, que proyecta exactamente lo contrario.

El film Contracorriente

El primer largometraje del cineasta nacional Javier Fuentes-León fue galardonado con el premio
‘World Cinema Audience Award’, es decir el premio de la audiencia y de maneja muy justa. Desde el t√≠tulo te sumerge en una historia con mar. El argumento: Miguel, es un joven pescador de Cabo Blanco, un pueblo de pescadores en el norte del Per√ļ. En un pueblo de tradiciones muy marcadas √©l es un personaje reconocido y respetado por todos. Est√° casado con Mariela, y esperan su primer hijo.

Personalmente me robo un suspiro y hasta un par de l√°grimas, para una audiencia no tan tolerante, hay que prevenir que hay una escena no tan expl√≠cita de sexo homosexual. Es sin dudarlo una pel√≠cula excelente. Y como su propio director afirm√≥ “es un reto, una provocaci√≥n. Creo que va a crear controversia. Quiz√°s no la que hubiera creado hace quince a√Īos. Yo creo que las nuevas generaciones, los que tienen 20 a√Īos ahora, est√°n mucho m√°s acostumbrados al tema gay, tienen amigos gays”.



Para mayor información acá la página web de la película.

jueves, 10 de marzo de 2011

Mononoke Hime

Mononoke Hime es una película de anime japonés ambientada en el Japón medieval. El argumento de la película nos muestra una disputa entre los dioses guardianes sobrenaturales del bosque (animales mitológicos como lobos, jabalíes, monos y ratas) y los humanos (orientales y 'occidentalizados').

La película es tan basta de imágenes, detalles y escenas que hace falta verla repetidas veces para captar cada uno de los mensajes que en ellos habita -y eso si es que es sólo un mensaje por escena-. En fin, los humanos 'necesitados' de los recursos que dispone el bosque, y al verse amenazados constantemente por los guardianes del mismo, desarrollan ciertas metas que sobrepasan los límites de la armonía entre los habitantes del bosque. Y propician la guerra.

Tambi√©n se muestra una idea de un dios justo, due√Īo de la vida y la muerte, y con procederes tan incomprensibles para guardianes y humanos que lo vuelven inadherible a cualquier grupo de seres. Lo vuelven √ļnico.

' "Mononoke" no es un nombre, sino una descripción que puede ser traducida en este contexto como "espíritu vengador", haciendo el título de la película La Princesa de los Espíritus Vengadores.'

Algunas de las imágenes de la película que marcaron son:
  • Quien tiene la maldici√≥n debe ir a enfrentar su destino o morir
  • El giri (honor, obligaci√≥n y deber) permiten a una cultura no convertirse en individualista y liberal. Y aunque estas son olvidadas por momentos, nunca dejan de ser practicadas ante desconocidos o autoridades (morales o espirituales)
  • El pecado entra por uno de los sentidos, pero invade todo el cuerpo. El placer no es m√°s que un deleite temporal e intenso que acelera la propagaci√≥n.
  • Al igual que en las culturas ind√≠genas de latinoam√©rica, quien parte al exilio no debe ser despedido, y deja en la comunidad el s√≠mbolo de su libertad
  • Una vez muerto dios, cada uno es responsable de su propia felicidad y deber√° ser fuerte para persistir, construir y crear (Kodama
Hay muchas m√°s im√°genes pero creo que debo verla nuevamente para poder expresarselas con sentido.
--0--

Mamoru Fujisawa, m√°s conocido como JŇć Hisaishi o Joe Hisaishi (šĻÖÁü≥ Ť≠≤), es un prolijo compositor japon√©s y director, responsable de haber creado m√°s de 100 bandas sonoras y √°lbumes convencionales para los Estudios Ghibli desde 1981. Naci√≥ el 6 de diciembre de 1950 en Nagano.

Comienza sus clases de viol√≠n a la temprana edad de 4 a√Īos. Partiendo de all√≠ y hasta ahora, su vida en general estar√≠a siempre enlazada finamente con la m√ļsica. Durante el tiempo que estuvo en la Universidad de M√ļsica Kunitachi, descubre su pasi√≥n por la m√ļsica minimalista y empieza su carrera como compositor de m√ļsica contempor√°nea. ”MKWAJU”, su primer √°lbum, fue realizado en 1981. A partir de all√≠, cre√≥ una serie de √°lbumes como solista en los que adem√°s de mostrar su genialidad para componer, estableci√≥ un estilo propio al incursionar en distintos g√©neros de m√ļsica. Algunos de sus √°lbumes m√°s reconocidos son: ”Piano Stories”, ”My Lost City”,”ETUDE ~a Wish to the Noon~”, ”Asian X.T.C”,”Another Piano Stories ~End of the World ~”.

Durante 1983 (!!!!!!), Joe Hisaishi fue recomendado para componer el √Ālbum Imagen de "Nausica√§ del Valle del Viento"(Kaze No Tani No Naushika), pel√≠cula en etapa de producci√≥n dirigida por otro maestro, Hayao Miyazaki. Una adaptaci√≥n animada del manga del mismo t√≠tulo, escrito e ilustrado por el propio Miyazaki, y publicado originalmente en las p√°ginas de la famosa revista Animage.

El maestro Miyazaki quedó muy bien impresionado con la labor realizada por Hisaishi, y escuchaba sus composiciones frecuentemente, como fuente de inspiración, durante la ardua tarea cotidiana que enfrentaba al realizar la animación de Nausicaä.

Pero este trabajo no fue sino s√≥lo el comienzo del reconocimiento p√ļblico de Joe Hisaishi y su talento; luego de esto empezar√≠a una estrecha relaci√≥n con Miyazaki, quien recurrir√≠a al talentoso m√ļsico para todas las producciones animadas posteriores de Studio Ghibli dirigidas por √©l. As√≠ pues, Joe Hisaishi compuso todas las piezas musicales de las bandas sonoras, Image Albums, Radio Dramas y versiones Hi-Tech (Versiones electr√≥nicas) de: Nausica√§ del Valle del Viento (1984), Castillo en el Cielo (Tenku No Shiro Rapyuta - 1986), Mi Vecino Totoro (Tonari No Totoro - 1988), Kiki (Majo no Takkyuubin - 1989), Porco Rosso (Kurae No Buta - 1992), La Princesa Mononoke (Mononoke Hime - 1997) y El Viaje de Chihiro ( Sen To Chihiro No Kamukakushi - 2001).

En el a√Īo 2008, Hisaishi compuso tambi√©n la banda sonora de la pel√≠cula ”Okuribito” (Despedidas) del director Yojiro Takita, pel√≠cula que ganar√≠a un premio Oscar bajo la categor√≠a de Mejor Pel√≠cula en Lengua Extranjera (categor√≠a que es sin lugar a dudas -opini√≥n muy personal- el √ļnico referente fiel de calidad que tiene los '√ďscarses') en el 2009. (La pel√≠cula estuvo reci√©ntemente en la Sala Demetrio Aguilera de la Casa de la Cultura Ecuatoriana).

Referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6

Aquí, la apnea referida con un Joe Hisaishi dirigiendo la interpretación de Ashitaka Sekki, canción que se ha convertido en una de las canciones principales en "(...)la banda sonora de lo que viví(...)"...(5:26)



lunes, 14 de febrero de 2011

"√Črase una vez un pa√≠s..."

El Reino de los Serbios, Croatas y Eslovenos fue el nombre de un pa√≠s hasta antes de finales de 1929, cuando pas√≥ a llamarse El Reino de Yugoslavia. √Čste √ļltimo fue invadido por las potencias del Eje (la Alemania nazi, el Imperio de Jap√≥n y el Reino fascista de Italia) en 1941, y debido a los acontecimientos que siguieron, fue oficialmente abolido entre 1943 y 1945.

Tras el triunfo de las fuerzas aliadas y partisanas en la Segunda Guerra Mundial, el territorio recibi√≥ las denominaciones de Rep√ļblica Democr√°tica Federal de Yugoslavia en 1945 y Rep√ļblica Federal Popular de Yugoslavia en 1946. En 1963, pas√≥ a llamarse Rep√ļblica Socialista Federativa de Yugoslavia (RFSY), que fue el estado yugoslavo de mayor duraci√≥n.

Este estado estaba compuesto por seis Rep√ļblicas Socialistas y dos provincias aut√≥nomas: RS de Bosnia y Herzegovina, RS de Croacia, RS de Eslovenia, RS de Macedonia, RS de Montenegro y RS de Serbia (incluyendo las provincias aut√≥nomas de Vojvodina y Kosovo y Metohija).

A partir de 1991, la Rep√ļblica Socialista Federativa se desintegr√≥ a causa de las Guerras Yugoslavas que siguieron a la secesi√≥n de la mayor√≠a de las entidades constitutivas del pa√≠s. El siguiente estado nombrado Yugoslavia, la Rep√ļblica Federal de Yugoslavia, ya con distinta composici√≥n geogr√°fica, existi√≥ hasta 2003, en que pas√≥ a denominarse Serbia y Montenegro.
-o-
La OTAN, Organización del Tratado del Atlántico Norte, es una organización internacional política y militar creada como resultado de las negociaciones entre Bélgica, Francia, Luxemburgo, Países Bajos, el Reino Unido, Estados Unidos, Canadá, Dinamarca, Italia, Islandia, Noruega y Portugal, con el objetivo de organizar Europa ante la amenaza de la Unión Soviética después de la Segunda Guerra Mundial, que constituyó una organización paralela al Pacto de Varsovia.

(interlude musical:
T√≠o Sam, mu√Īeco de homicidio. T√≠o Sam, jugamos a matar. T√≠o Sam, comienza el exterminio. T√≠o Sam, operaci√≥n Irak: suenan los pepinos en Bagdag, inician la ofensiva militar, la sangre ha comenzado ya a brotar, cuidado no te vaya a salpicar. T√≠o Sam, mu√Īeco ultras√°dico. T√≠o Sam, todo por su inter√©s. T√≠o Sam, misiles diplom√°ticos. T√≠o Sam, te van a convencer: y nos venden sus mentiras por televisi√≥n, enga√Īando al personal yendo de salvador. "¡No hay acuerdo!: procedamos a la destrucci√≥n (Mataremos sin piedad!!!)".
"¡ Mil muertos m√°s!, ¿¡ qu√© m√°s da !?: ¡ Es mi guerra!. Voy a lanzar mi arsenal a la tierra.
Los muertos los ponen los dem√°s (la miseria) Yo tengo licencia pa matar" ¡ a la mierda!.
Siempre en la vanguardia militar. Son los aliados de la OTAN: m√°quinas perfectas de matar, asesinan en el nombre de la paz.
ALIADOS, ASESINOS... A LA MIERDA!!
Asesinos del Tratado Atl√°ntico : os saludan los muertos de Irak... )

Tras la desintegraci√≥n de la Uni√≥n Sovi√©tica, la OTAN ha reformulado sus objetivos y actividades hasta apropiarse de la seguridad de todo el hemisferio norte. En este marco, se desarroll√≥ la √ļnica operaci√≥n de ataque por parte de la OTAN en toda su historia: el ataque contra Yugoslavia en 1999.

Inicialmente, el ataque estaba destinado a parar la limpieza étnica en Kosovo, donde se realizó una gran cantidad de crímenes contra la población civil, además de suponer el campo de pruebas del armamento nuclear de baja intensidad (los proyectiles de uranio empobrecido).

---o---

Underground, es una pel√≠cula del ins√≥lito, misterioso y pol√©mico Emir Kusturica, quien se convertir√≠a en uno de los directores m√°s creativos de las √ļltimas d√©cadas del siglo XX. Esta obra, aunque fue duramente criticada por los 'expertos' -quienes afirmaron que Emir muestra el conflicto con una clara posici√≥n 'pro-Serbia'-, resume la historia de Yugoslavia desde el inicio de la Segunda Guerra Mundial hasta la Guerra de los Balcanes en poco menos de 3 horas.

Sobre los comentarios de la pel√≠cula, algunos otros vemos a un Kusturica burl√°ndose de la guerra y sus algunos delirios, subrayando las desvariaciones mentales humanas y haci√©ndolas interactuar hasta un punto m√°ximo donde todas ellas en una misma sala, en un mismo cuarto, llegan a crear nuevas, asombrosas y peculiares relaciones; afirmando contundentemente, y sin derecho a apelaci√≥n o r√©plica contraria alguna, la infinita 'cualidad' del hombre y su b√ļsqueda insensata por la autodestrucci√≥n.

De todas las escenas que se pueden elegir sobre la pel√≠cula, me quedo con tres. Y luego de un breve "cucaracha-pie-bomba at√≥mica" (v.s. Benjuas, 2007), cito la escena donde se representa el para√≠so: un lugar en el la vida contin√ļa de la misma forma en la que se vivi√≥, pero adicionando dos ingredientes extras: el no-temor a la muerte (inexistente o ya materializada, jaja!) y la compa√Ī√≠a conciente y tolerante al m√°ximo de absolutamente todos los amigos, familiares y amores alrededor de la mesa.

En la p√°gina de palmares del Festival de Cannes se han redactado algunos elementos simb√≥licos relevantes, cito los m√°s importantes y a√Īado algunos otros m√°s:
  • Ahorcamientos:
- El intento de ahorcamiento de Ivan en la casa al principio de la película
- El ahorcamiento de Ivan en la iglesia de Belgrado al final de la película.
  • Animales
- El simio Soni, quien le ense√Īo a Jovan a comer pl√°tanos y a Ivan a salir del s√≥tano, quien tambi√©n es el √ļnico de los personajes principales que permanece vivo.
- Un elefante (que le roba los zapatos a Crni)
- El pez que Jovan cree que es el espíritu de Jelena y después es cocinado por él mismo (referencia a Arizona Dream)
- Unas vacas (que salen del agua, como símbolo de la reencarnación de los muertos)
- Un gato (usado por Marko para limpiar sus zapatos)
- Un caballo blanco y un ganso volando en la escena que muere Marko
  • Religi√≥n
- La iglesia a escala que le regala Ivan a Jovan y a Jelena en su matrimonio es la misma donde Ivan se suicida, símbolo de que no podía escapar de su destino.
- Cuando Petar asesina (por error) a Marko y Natalija, se apoya en una cruz con Cristo invertido, símbolo de que Dios ya no está con ellos. En esta escena la cristiandad está siendo humillada por los musulmanes, quienes a su vez también fueron humillados por el cristianismo. Mientras la humanidad siga ejercitando la Ley del Talión (ojo por ojo, diente por diente), no encontrará su camino: pronto acabaremos todos ciegos, tuertos. (algo así también dijo Ghandi).
  • Humor
- Cuando Marko le pone una flor a la prostituta en el trasero y después se divierte con ella mientras bombardean Belgrado
- Cuando Crni le dice a Jovan: "Nunca le creas a una mujer que miente"
- Crni dice repetidas veces: "cerdos fascistas sanguinarios" y "me est√°s poniendo nervioso".
  • Parodia (la pel√≠cula dentro de la pel√≠cula)
- La pel√≠cula dentro de la pel√≠cula, titulada La primavera llega, una pel√≠cula sobre las haza√Īas de los h√©roes de Yugoslavia Marko Dren y Petar Popara "Crni" (y la muerte de Petar), es una parodia de las pel√≠culas yugoslavas de los 60 y tambi√©n parodia a la misma pel√≠cula.
- Al igual que en Forrest Gump y en Zelig, videos de archivo de la TV yugoslava se mezclan en la película; por ejemplo, cuando Marko aparece saludando a Tito.
  • Volar
- En el matrimonio, Jelena hace un acto de "levitación mística".
  • Reconciliaci√≥n
- Ya en el paraíso, Marko le pregunta a Crni si lo perdona. "Puedo perdonar, pero jamás olvidar", le responde. (Este simbolo se conjuga mucho con la visión de un paraíso cristiano pero contradice a otras doctrinas del mismo cristianismo donde se afirma que, allí, ninguno se reconocerá entre sí.)
  • Matrimonios
- El matrimonio entre Crni y Natalija en el barco interrumpido por Franz
- El matrimonio entre Jovan y Jelena interrumpido por los disparos del tanque por Soni
(ambas escenas intentan mostrar al matrimonio como el inicio de otra guerra)

* M√ļsica en la pel√≠cula
- Golub y su banda, quienes acompa√Īaron a Marko y a Petar incluso en la muerte.

Lo demás ya queda para quienes quieran ver la película.

"Construimos nuevas casas, con tejas rojas, donde las cig√ľe√Īas construyen sus nidos y con las puertas abiertas a nuestros invitados. Le agradecemos a la tierra que nos alimenta, al sol que nos calienta y a los campos que nos recuerdan los verdes pastos en casa. As√≠, con dolor, tristeza y alegr√≠a, recordamos a nuestro pa√≠s cuando contamos a nuestros ni√Īos historias que comienzan como todas las historias: ‘√Črase una vez una tierra...’"

Referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7