Tom Waits 🎩 es un artista único, ecléctico e inquieto, de voz lijosa, quien no ha podido ser etiquetado bajo ningún género o subgénero musical; lo cual ya dice mucho de su capacidad para reinventarse o incluir nuevos ritmos en sus cortes. En su biografía, no autorizada se detalla que es "(...)influenciado por la escritura beatnik de William Burroughs o Jack Kerouac y los sonidos primarios del jazz, el blues...el cabaret, las composiciones pop del Tin Pan Alley, la vanguardia, Lenny Bruce, Harry Partch, Louis Armstrong, el burlesque, Kurt Weill o el rock experimental.
Creador y espejo de outsiders dados al alcohol y a la bohemia que pueblan ambientes tan sórdidos como románticos, tan míseros como fascinantes, tan teatrales como reales, Tom Waits es uno de los grandes personajes de la historia del rock, un crooner noctívago del lumpen, de los clubes de barrios bajos llenos de alcohol y humo(...)". Imposible escribir algo mejor que ese párrafo citado.
La ascendencia de Thomas Alan Waits es noruega, irlandesa y escocesa. Nació en California un 7 de diciembre del '59 (hijo de la revolución). Gran admirador de Bob Dylan, con quien se lo comparaba en cuanto a la capacidad lírica.
Tom, al mismo tiempo que estudiaba, trabajaba a mediados de los años 60 en la pizzería Napoleone Pizza House de National City. De su estancia allí, lugar en donde escuchó mucha música en el jukebox del local durante cinco años, dio buena cuenta en algunas posteriores grabaciones, entre ellas “The Ghost Of Saturday Night”.
En esa época, cuando tenía 15 años, formó parte de su primera banda, The Systems, un combo que interpretaba temas soul y R&B.
A finales de la década de los 60 comienza a leer a los escritores de la Generación Beat, como Burroughs o Kerouac, quienes influenciaron de manera notable sus composiciones, interpretadas en directo por primera vez a finales de 1970 con el nombre de Thomas Waits.
En junio del siguiente año Waits fue descubierto por Herb Cohen en el club angelino Troubadour. Cohen, mánager de Frank Zappa, se convirtió en el representante de Tom, quien se trasladó definitivamente desde San Diego a Los Angeles, ciudad en la que residió en principio y durante breve tiempo en su propio coche.
----0---- The Imaginarium of Doctor Parnassus, es una película de fantasía dirigida por Terry Gilliam y escrita por Gilliam y Charles McKeown. En la película, el líder de una compañía teatral, mediante un trato con el Diablo, hace pasar a los miembros de su audiencia a través de un espejo mágico para explorar su imaginación. Christopher Plummer, Tom Waits, Heath Ledger protagonizan la película, pese a que la muerte de Ledger, ocurrida durante la filmación, suspendió temporalmente la producción. Johnny Depp, Jude Law, y Colin Farrell completaron el papel, personificando transformaciones del personaje de Heath, Tony, a medida que viaja por un mundo irreal. La película se estrenó el 23 de octubre de 2009.
Como sucede en toda muerte trágica, la muerte de Ledger provocó que algunos de sus amigos decidieran apostarle al proyecto que ya de por sí contaba con un presupuesto bajo, pero inusualmente elevado para el tipo de producción independiente. Así pues, ellos también decidieron donar sus ganancias a la hija de Ledger, quien no estaría en el testamento inicial.
En todo caso, reunir a un elenco que puede producir una película sobre otra, es una obra que vale la pena ser disfrutar por la cantidad de detalles; casi como apreciar un mandala fílmico.
El"Gran Teatre de Liceu", creado en 1847 en la Rambla de Barcelona, es un teatro de ópera que ha mantenido a lo largo de los años su función de centro cultural y artístico.
Hoy en día, y gracias a sus más de 150 años, es considerado uno de los símbolos de la ciudad y el teatro más amtiguo y prestigioso de Barcelona. Actualmente es un teatro de titularidad pública (Generalitat de Catalunya, Ayuntamiento de Barcelona, Diputación de Barcelona, Ministerio de Cultura), administrado por la Fundación del Gran Teatro del Liceo, que incorpora, además de las instituciones mencionadas, el Consejo de Mecenazgo y la Sociedad del Gran Teatro del Liceo.
En su piso han desfilado los mejores intérpretes de la canción nacional española e internacional.
Su historia cuenta con varios episodios trágicos como una bomba lanzada por un anarquista, que llevó consigo 20 muertos, en 1893.
Otro incidente histórico afectó al teatro a comienzos de la Guerra Civil española cuando, en 1936, el Liceu fue expropiado, nacionalizado y convertido por las autoridades republicanas en Teatro del Pueblo Catalán.
En 1939, a principios de la dictadura franquista, volvió a los antiguos propietarios en el mismo régimen de siempre.
El Liceo ha sufrido dos incendios que lo han destruido totalmente: el primero fue el 14 de abril de 1861, que destruyó totalmente la sala y el escenario, y que obligó a tener cerrado el teatro, por las tareas de reconstrucción, durante un año y seis días; y el segundo incendio, ocurrido el 31 de enero de 1994.
Tras este último, el teatro ha sido reconstruido y mejorado, respetando su decoración y estilo originales, responsables de su apreciada sonoridad, y con importantes mejoras tecnológicas que lo han convertido en uno de los teatros más modernos del mundo.
Al respecto de este último incendio:
"El incendio de 1994: entre las diez y media y once menos cuarto de la mañana del 31 de enero, mientras dos operarios trabajaban en la reparación del telón de acero que, en caso de incendio, tenía que impedir que el fuego pasara del escenario a la sala (otra ironía del destino), las chispas de su soplete prendieron en los pliegues del cortinaje fijo de tres cuerpos que escondía la parte alta del escenario.
Algunos trozos encendidos de ropa cayeron al suelo, y aunque los trabajadores se apresuraron en apagarlos y se bajó el telón de acero, todo fue inútil: las llamas ya habían saltado al telón de terciopelo y subían hasta el telar y el techo.
El fuego era ya incontrolable cuando los bomberos llegaron minutos después de las once. Puede que un poco tarde porque, según parece, los trabajadores habían tratado de apagar el fuego con los medios a su alcance en vez de llamar inmediatamente a los servicios de extinción. El incendio causó una gran conmoción en la sociedad catalana y en el mundo de la ópera en general.
Gracias al apoyo de las instituciones, al patrocinio de empresas, y a las donaciones particulares, fue reconstruido en un tiempo récord, pudiendo de nuevo abrir sus puertas en 1999."
Pese a ser un escenario muy acontecido, ha logrado mantener su estructura original gracias al apoyo internacional y a que cada remodelación / ampliación ha sido cuidadosamente diseñada para no excluir parte alguna del concepto original del siglo XIX.
A quien le interese visitarlo, la dirección del Liceu es la siguiente:
La Rambla, 51-59
08002 Barcelona
934 859 900
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El 30 de Noviembre del 2006, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona abrió por primera vez las puertas al rock nacional español para acoger la presentación en directo de "El tiempo de las cerezas (Capitol-Emi, 06)", debut conjunto de Enrique Bunbury y Nacho Vegas. Aquella noche, y tras un año y medio apartado de los escenarios, el artista aragonés aparecía en el templo de la lírica ante dos mil personas venidas de distintas partes del mundo que no querían perderse la defensa de un álbum que acabaría siendo incluído en el Top-10 de todas las revistas musicales. El cantautor asturiano, por otra parte, tampoco olvidará esa fecha pues significó la consagración de una propuesta que le ha llevado a colgar el cartel de "No hay billetes" en todas las paradas de su reciente gira en solitario.
Por tanto, decir que aquel concierto fue histórico no es exagerar sino hacer honor a una verdad que, afortunadamente, quedó inmortalizada en celuloide y que, a gracia de los cientos y miles de aficionados de estos dos grandes cantautores, fue publicada en formato DVD.
Pero como no podía ser de otra manera, el testimonio fílmico de la primera y única actuación de Bunbury y Vegas en España viene enriquecido por un extracto de la otra presentación, con cinco gemas musicales y versiones inéditas del concierto, que ambos ofrecieron en el Teatro Metropolitan de México D.F.(personalmente hay una verisón de 'El rumbo de tus sueños' donde se podría decir que los oídos llegan al éxtasis total luego de escuchar el dúo de voces del final.AnaBelén coincide conmigo); además, incluye cuatro videoclips, entre ellos dos absolutamente inéditos: el de 'Puta Desagradecida', rodado en tierras aztecas, y el de 'No fue bueno, pero fue lo mejor', protagonizado por el actor Oscar Jaenada, ganador de dos premios Goya por las películas Camarón y Noviembre.
CRÍTICA: Para mi, del 1 al 10, le doy un 11. Un DVD digno de verse al menos 13 veces.
Este es el listado de temas del disco:
-Gran Teatro Liceo:
01. Actos inexplicables (Nacho Vegas)
02. Días extraños (Nacho Vegas)
03. No fue bueno, pero fue lo mejor (Enrique Bunbury)
04. Va a empezar a llover (Nacho Vegas)
05. Ahora (Enrique Bunbury)
06. El cazador (Nacho Vegas)
07. Blanca (Nacho Vegas)
08. Bravo (Luis Demetrio)
09. La fin (Nacho Vegas)
10. Gang-Bang (Nacho Vegas)
11. La chica triste que te hacía reir (Enrique Bunbury)
12. En la espina dorsal del universo (Enrique Bunbury)
13. El rescate (Enrique Bunbury)
14. De esclavitud y de cadenas (Enrique Bunbury)
15. Puta desagradecida (Enrique Bunbury)
16. Secretos y mentiras (Nacho Vegas)
17. Los restos del naufragio (Enrique Bunbury)
18. El hombre que casi conoció a Michi Panero (Nacho Vegas)
19. Látex (Nacho Vegas/Enrique Bunbury)
20. El tiempo de las cerezas (Enrique Bunbury)
-Metropolitan:
01. El rumbo de tus sueños (Enrique Bunbury)
02. Serie negra (Nacho Vegas)
03. El viento a favor (Enrique Bunbury)
04. La pena o la nada (Nacho Vegas)
05. Por la paz y la canción (Nacho Vegas)
(Cabe destacar que el sound track elegido para mostrar los créditos del final es una versión de "La virgen de Guadalupe", inmortalizada por dos integrantes de los Tigres del Norte años antes.
-Videoclips:
01. Días extraños
02. No fue bueno, pero fue lo mejor
03. Puta desagradecida
04. Welcome to el callejón sin salida
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Solicité el paquete desde España y llegó un día sábado laboral del año anterior. Esa misma noche, nos reunimos en 'Rockotitlán' con varias bebidas espirituosas. En un punto de la noche éramos tres almas frente al televisor, cada uno entonando a todo pulmón, con mímicas aprendidas, casi llorando con cada canción. No se si puedo describir exactamente lo que se sintió, pero recomiendo muchísimo este disco como premio a cualquier bunburiano-nachero luego de años de seguir cada paso de ellos. Lo digo así porque tal vez la dimensión no es la misma si uno ve primero este disco y luego regresa a los más antiguos. Es como la cúspide de una época, el punto final del viaje a ninguna parte...en fin. Son tantas ideas que mejor no inmortalizo más palabras. Salud!!.
Kari Tapio fue un cantante finlandés especializado en schlager. Durante las décadas de 1970 y 1980 fue uno de los cantautores más populares de su país, y permaneció en activo durante 38 años.
Kari Tapio comenzó a cantar en varios clubes y locales de Pieksämäki (lo mejor del finlandés son sus diéresis!!!!!) y Finlandia Oriental, a través de varias bandas locales, con las que comienza a destacar musicalmente. Tapio no se dedicó por entonces al mundo de la canción profesional, ya que lo compaginó con otro trabajo como mecanógrafo.
Logró la fama como cantante reconocido durante un concierto de Ilkka Lipsanen en 1972, cuando sorprendió al público asistente con su actuación. Sus canciones también gustaron a Ilkka, que decidió contratarlo para que actuase con él durante el resto de su gira. Posteriormente Tapio decide emprender su carrera en solitario y en 1976 debuta con un single, Laula kanssain, con el que alcanza buenas posiciones en las listas finesas. A partir de ahí lanzó varios temas durante los años 1970 y 1980, siendo el más popular de ellos Olen suomalainen, un cover de un tema de Toto Cutugno, L'Italiano, que se hizo tremendamente popular en Finlandia.
Regresó a un plató de televisión en 2008 al presentarse a la preselección para representar a Finlandia en el Festival de la Canción de Eurovisión, donde fue recibido como una celebridad. Kari Tapio quedó segundo y sólo fue superado por Teräsbetoni, ganadores de la preselección. El artista continuó en activo hasta su muerte, y desde sus inicios en 1976 lanzó 27 álbumes y 12 recopilatorios, algunos de ellos discos de oro. En el año 2003 fue galardonado con el premio Iskelmä-Finlandia, otorgado al mejor cantante de música popular finlandesa.
Tapio falleció el 7 de diciembre de 2010 a los 65 años, víctima de un infarto agudo de miocardio (que entre otras cosas, es la razón principal de la muerte de hombres y mujeres en todo el mundo y la enfermedad que dio paso a la creación de las 'paletas' de desfibrilación).
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Rosso es una película finlandesa que vio la luz en el año 1985. El guión de esta obra marca uno de los primeros inentos o derivaciones de un director en el mundo del cine, por contar la historia dentro de la historia. De por sí es un trabajo muy complejo puesto que los detalles de la historia sirven para dar una idea, grossa, del ambiente que tendrá la historia dentro.
Mika Kaurismäki, director de la película, viene de una familia de cineastas de bajo perfil. Sin embargo tiene, a sus cortos 55 años, una serie de películas en varios idiomas, y con calidad destacable; principlamente por la sobriedad con que cuenta los guiones. Dicen que ver una película de Mika es 'sentarse por dos horas y no querer salir de la caja de arena'. Como 'estimular fuertemente los recuerdos más felices de los juegos de la infancia, en un sábado soleado por la mañana, a tal punto de querer ir en busca de las canicas'.
En una de las escenas, mientras el asesino y el hermano de María (la víctima prófuga) van en busca de una pista de su paredero a 200 kilómetros de allí, se filma este pedazo de cielo 'Italiano:
Iris DeMent, es una cantautora norteamericana, nacida el 5 de enero de 1961, natural de Paragould (Arkansas), aunque se crió en Cypress (California) dónde comenzó a interesarse por la música country y el gospel, gracias a la devoción religiosa de su familia, quienes la impulsarían a dar continuidad a su carrera.
Su música se mueve entre el folk y la música country, influenciada por artistas de la talla de Emmylou Harris, Gram Parsons, Johnny Cash, Bob Dylan y Joni Mitchell. Editó su primer álbum, Infamous Angel, en 1992. Desde entonces ha editado tres álbumes más: My Life (1994), The Way I Should (1996) y Lifeline (2004).
Es considerada toda una celebridad dentro de los intérpretes y compositores de la música country-folk de esta época. Su etapa de compositora, específicamente, dio inicio a sus 25 años, aunque su lanzamiento con un trabajo discográfico no vio la luz sino 6 años después, Infamous Angel (1992), cuando un sello discográfico independiente de Nashville la promocionó. Ese mismo año, este disco sería aclamado universalmente gracias a su estilo vocal puro y evocativo, y a su sobriedad en el escenario en las presentaciones de promoción.
Pese a tener un soporte estándar en las radios locales de country, su manager lograría un acuerdo con Warner Bros a finales de 1993, con quienes haría una reedición de Infamous Angel, así como de su gran trabajo discográfico: MyLife(1994).
Para los siguientes discos, vendrían cambios dramáticos tanto en su influencia musical, sonidos propios del 'rock' estacional, así como la letra de sus canciones en las que la temática se volvería mucho más crítica, invocando posiciones políticas, represión, abuso sexual, religión, políticas gubernamentales y la guerra en Vietnam. Además, el trabajo más profundo de este disco se lo calificó de introspectivo y profundamente personal.
En los siguientes años, Iris se dedicaría a hacer dúos. En la actualidad está editando un nuevo disco que ha generado mucha espectativa, el mismo que será publicado a finales del 2011. La carrera completa de esta artista se ha visto plagado de trabajos muy sólidos ya que no ha tenido que lidiar con presiones por parte de su sello discográfico.
Un dato curioso es que el título de la canción 'IRIS' de la banda The Goo Goo Dolls, fue inspirado por Iris DeMent. En un reportaje realizado al vocalista de esta banda, luego de la inclusión exitosa de esta canción en la banda sonora de la película City of Angels, confesó que una vez escrita la letra y compuesta la melodía, pasó horas pensando en el título de la canción hasta que pasó por sus manos una revista en la que aparecía la cantautora en la portada.
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Mister lonely, es una película del director Harmony Korine, quien a través de la película cuenta su historia personal y las dificultades que tuvo para obtener inspiración como director de cine. Pese a tener un presupuesto muy recortado, la película ganó 100 veces más su presupuesto inicial en sus primeros 9 meses. Pasó por la selección oficial del Cannes también.
La pélicula tiene partes un poco complejas de seguir debido a la perspectiva y a una co-relación de escenas que a muchos (muchas) podría darles un aventón a los brazos de Morfeo (jaja!); sin embargo, y para aquellos más picados, curiosos y persistentes en ganar la guerra a las películas (hacer las conjeturas antes que todos pero principalmente antes que llegue el final, y así vociferar el final como si fuese 'obvio' -doble jaja!-) la película trata temas controversiales de forma prolija como la definición de la fe, institucionalizada a partir de un episodio específico 'increíble' y como el hombre en su intento fallido por comprenderlo todo cae en su propia ceguera. Para esto utiliza un lente que nos invita a la reflexión mientras la cinta corre en escasos minutos de cada una de esas escenas.
La representación del papel de Chaplin es bastante fuerte, donde hace una analogía de su bigote, queriendo decir que con una dosis mayor, o menor, de soledad, gracia y soledad, la historia pudo haberse escrito de otra forma (Chaplin-Hitler-Chaplin-Hitler). Harmony aborda la soledad y la pone en la mitad de una comunidad. Los imitadores viven, todos, en una misma casa, pero alguien más vive en medio de ellos...
Aquí una apnea del final...con una canción armónica de Iris de fondo:
La tolerancia y la modernidad sobre todo nos ha enseñado que hay diferentes tipos de amores, todos son igual de validos, igual de hermosos. El cine ha retratado estos diferentes tipos de amores a través del tiempo, usándolo entre los muchos argumentos que se han utilizado para hacer guiones y largometrajes. El cine gay o GLBT no se queda atrás, sobre todo ahora que se lo define como una categoría. Grandes directores han incursionado en este discurso, así lo demuestran: Luchino Visconti, Bernardo Bertolucci, Pier Paolo Pasolini, Pedro Almodóvar, talentosos, y sobre todo directores que han explorado esta temática de manera acertada.
Pero hay maneras peyorativas en las que se puede tratar a la homosexualidad, lamentablemente, y eso se lo ve en el cine norteamericano de manera más común. Es la burla, la representación del gay como un personaje completamente amanerado, casi mujer, que provoca burla y es a la que nos vemos relacionada de manera más común. De vez en cuando, y sobre todo en este último tiempo uno se topa con un gran descubrimiento cinematográfico como Contracorriente, que proyecta exactamente lo contrario.
El film Contracorriente
El primer largometraje del cineasta nacional Javier Fuentes-León fue galardonado con el premio
‘World Cinema Audience Award’, es decir el premio de la audiencia y de maneja muy justa. Desde el título te sumerge en una historia con mar. El argumento: Miguel, es un joven pescador de Cabo Blanco, un pueblo de pescadores en el norte del Perú. En un pueblo de tradiciones muy marcadas él es un personaje reconocido y respetado por todos. Está casado con Mariela, y esperan su primer hijo.
Personalmente me robo un suspiro y hasta un par de lágrimas, para una audiencia no tan tolerante, hay que prevenir que hay una escena no tan explícita de sexo homosexual. Es sin dudarlo una película excelente. Y como su propio director afirmó “es un reto, una provocación. Creo que va a crear controversia. Quizás no la que hubiera creado hace quince años. Yo creo que las nuevas generaciones, los que tienen 20 años ahora, están mucho más acostumbrados al tema gay, tienen amigos gays”.
Mononoke Hime es una película de anime japonés ambientada en el Japón medieval. El argumento de la película nos muestra una disputa entre los dioses guardianes sobrenaturales del bosque (animales mitológicos como lobos, jabalíes, monos y ratas) y los humanos (orientales y 'occidentalizados').
La película es tan basta de imágenes, detalles y escenas que hace falta verla repetidas veces para captar cada uno de los mensajes que en ellos habita -y eso si es que es sólo un mensaje por escena-. En fin, los humanos 'necesitados' de los recursos que dispone el bosque, y al verse amenazados constantemente por los guardianes del mismo, desarrollan ciertas metas que sobrepasan los límites de la armonía entre los habitantes del bosque. Y propician la guerra.
También se muestra una idea de un dios justo, dueño de la vida y la muerte, y con procederes tan incomprensibles para guardianes y humanos que lo vuelven inadherible a cualquier grupo de seres. Lo vuelven único.
' "Mononoke" no es un nombre, sino una descripción que puede ser traducida en este contexto como "espíritu vengador", haciendo el título de la película La Princesa de los Espíritus Vengadores.'
Algunas de las imágenes de la película que marcaron son:
Quien tiene la maldición debe ir a enfrentar su destino o morir
El giri (honor, obligación y deber) permiten a una cultura no convertirse en individualista y liberal. Y aunque estas son olvidadas por momentos, nunca dejan de ser practicadas ante desconocidos o autoridades (morales o espirituales)
El pecado entra por uno de los sentidos, pero invade todo el cuerpo. El placer no es más que un deleite temporal e intenso que acelera la propagación.
Al igual que en las culturas indígenas de latinoamérica, quien parte al exilio no debe ser despedido, y deja en la comunidad el símbolo de su libertad
Una vez muerto dios, cada uno es responsable de su propia felicidad y deberá ser fuerte para persistir, construir y crear (Kodama
Hay muchas más imágenes pero creo que debo verla nuevamente para poder expresarselas con sentido. --0--
Mamoru Fujisawa, más conocido como Jō Hisaishi o Joe Hisaishi (久石 譲), es un prolijo compositor japonés y director, responsable de haber creado más de 100 bandas sonoras y álbumes convencionales para los Estudios Ghibli desde 1981. Nació el 6 de diciembre de 1950 en Nagano.
Comienza sus clases de violín a la temprana edad de 4 años. Partiendo de allí y hasta ahora, su vida en general estaría siempre enlazada finamente con la música. Durante el tiempo que estuvo en la Universidad de Música Kunitachi, descubre su pasión por la música minimalista y empieza su carrera como compositor de música contemporánea. ”MKWAJU”, su primer álbum, fue realizado en 1981. A partir de allí, creó una serie de álbumes como solista en los que además de mostrar su genialidad para componer, estableció un estilo propio al incursionar en distintos géneros de música. Algunos de sus álbumes más reconocidos son: ”Piano Stories”, ”My Lost City”,”ETUDE ～a Wish to the Noon～”, ”Asian X.T.C”,”Another Piano Stories ～End of the World ～”.
Durante 1983 (!!!!!!), Joe Hisaishi fue recomendado para componer el Álbum Imagen de "Nausicaä del Valle del Viento"(Kaze No Tani No Naushika), película en etapa de producción dirigida por otro maestro, Hayao Miyazaki. Una adaptación animada del manga del mismo título, escrito e ilustrado por el propio Miyazaki, y publicado originalmente en las páginas de la famosa revista Animage.
El maestro Miyazaki quedó muy bien impresionado con la labor realizada por Hisaishi, y escuchaba sus composiciones frecuentemente, como fuente de inspiración, durante la ardua tarea cotidiana que enfrentaba al realizar la animación de Nausicaä.
Pero este trabajo no fue sino sólo el comienzo del reconocimiento público de Joe Hisaishi y su talento; luego de esto empezaría una estrecha relación con Miyazaki, quien recurriría al talentoso músico para todas las producciones animadas posteriores de Studio Ghibli dirigidas por él. Así pues, Joe Hisaishi compuso todas las piezas musicales de las bandas sonoras, Image Albums, Radio Dramas y versiones Hi-Tech (Versiones electrónicas) de: Nausicaä del Valle del Viento (1984), Castillo en el Cielo (Tenku No Shiro Rapyuta - 1986), Mi Vecino Totoro (Tonari No Totoro - 1988), Kiki (Majo no Takkyuubin - 1989), Porco Rosso (Kurae No Buta - 1992), La Princesa Mononoke (Mononoke Hime - 1997) y El Viaje de Chihiro ( Sen To Chihiro No Kamukakushi - 2001).
En el año 2008, Hisaishi compuso también la banda sonora de la película ”Okuribito” (Despedidas) del director Yojiro Takita, película que ganaría un premio Oscar bajo la categoría de Mejor Película en Lengua Extranjera (categoría que es sin lugar a dudas -opinión muy personal- el único referente fiel de calidad que tiene los 'Óscarses') en el 2009. (La película estuvo reciéntemente en la Sala Demetrio Aguilera de la Casa de la Cultura Ecuatoriana).
Aquí, la apnea referida con un Joe Hisaishi dirigiendo la interpretación de Ashitaka Sekki, canción que se ha convertido en una de las canciones principales en "(...)la banda sonora de lo que viví(...)"...(5:26)
El Reino de los Serbios, Croatas y Eslovenos fue el nombre de un país hasta antes de finales de 1929, cuando pasó a llamarse El Reino de Yugoslavia. Éste último fue invadido por las potencias del Eje (la Alemania nazi, el Imperio de Japón y el Reino fascista de Italia) en 1941, y debido a los acontecimientos que siguieron, fue oficialmente abolido entre 1943 y 1945.
Tras el triunfo de las fuerzas aliadas y partisanas en la Segunda Guerra Mundial, el territorio recibió las denominaciones de República Democrática Federal de Yugoslavia en 1945 y República Federal Popular de Yugoslavia en 1946. En 1963, pasó a llamarse República Socialista Federativa de Yugoslavia (RFSY), que fue el estado yugoslavo de mayor duración.
Este estado estaba compuesto por seis Repúblicas Socialistas y dos provincias autónomas: RS de Bosnia y Herzegovina, RS de Croacia, RS de Eslovenia, RS de Macedonia, RS de Montenegro y RS de Serbia (incluyendo las provincias autónomas de Vojvodina y Kosovo y Metohija).
A partir de 1991, la República Socialista Federativa se desintegró a causa de las Guerras Yugoslavas que siguieron a la secesión de la mayoría de las entidades constitutivas del país. El siguiente estado nombrado Yugoslavia, la República Federal de Yugoslavia, ya con distinta composición geográfica, existió hasta 2003, en que pasó a denominarse Serbia y Montenegro.
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La OTAN, Organización del Tratado del Atlántico Norte, es una organización internacional política y militar creada como resultado de las negociaciones entre Bélgica, Francia, Luxemburgo, Países Bajos, el Reino Unido, Estados Unidos, Canadá, Dinamarca, Italia, Islandia, Noruega y Portugal, con el objetivo de organizar Europa ante la amenaza de la Unión Soviética después de la Segunda Guerra Mundial, que constituyó una organización paralela al Pacto de Varsovia.
(interlude musical: Tío Sam, muñeco de homicidio. Tío Sam, jugamos a matar. Tío Sam, comienza el exterminio. Tío Sam, operación Irak: suenan los pepinos en Bagdag, inician la ofensiva militar, la sangre ha comenzado ya a brotar, cuidado no te vaya a salpicar.Tío Sam, muñeco ultrasádico. Tío Sam, todo por su interés. Tío Sam, misiles diplomáticos. Tío Sam, te van a convencer: y nos venden sus mentiras por televisión, engañando al personal yendo de salvador. "¡No hay acuerdo!: procedamos a la destrucción (Mataremos sin piedad!!!)". "¡ Mil muertos más!, ¿¡ qué más da !?: ¡ Es mi guerra!. Voy a lanzar mi arsenal a la tierra.
Los muertos los ponen los demás (la miseria) Yo tengo licencia pa matar" ¡ a la mierda!.
Siempre en la vanguardia militar. Son los aliados de la OTAN: máquinas perfectas de matar, asesinan en el nombre de la paz. ALIADOS, ASESINOS... A LA MIERDA!! Asesinos del Tratado Atlántico : os saludan los muertos de Irak... )
Tras la desintegración de la Unión Soviética, la OTAN ha reformulado sus objetivos y actividades hasta apropiarse de la seguridad de todo el hemisferio norte. En este marco, se desarrolló la única operación de ataque por parte de la OTAN en toda su historia: el ataque contra Yugoslavia en 1999.
Inicialmente, el ataque estaba destinado a parar la limpieza étnica en Kosovo, donde se realizó una gran cantidad de crímenes contra la población civil, además de suponer el campo de pruebas del armamento nuclear de baja intensidad (los proyectiles de uranio empobrecido).
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Underground, es una película del insólito, misterioso y polémico Emir Kusturica, quien se convertiría en uno de los directores más creativos de las últimas décadas del siglo XX. Esta obra, aunque fue duramente criticada por los 'expertos' -quienes afirmaron que Emir muestra el conflicto con una clara posición 'pro-Serbia'-, resume la historia de Yugoslavia desde el inicio de la Segunda Guerra Mundial hasta la Guerra de los Balcanes en poco menos de 3 horas.
Sobre los comentarios de la película, algunos otros vemos a un Kusturica burlándose de la guerra y sus algunos delirios, subrayando las desvariaciones mentales humanas y haciéndolas interactuar hasta un punto máximo donde todas ellas en una misma sala, en un mismo cuarto, llegan a crear nuevas, asombrosas y peculiares relaciones; afirmando contundentemente, y sin derecho a apelación o réplica contraria alguna, la infinita 'cualidad' del hombre y su búsqueda insensata por la autodestrucción.
De todas las escenas que se pueden elegir sobre la película, me quedo con tres. Y luego de un breve "cucaracha-pie-bomba atómica" (v.s. Benjuas, 2007), cito la escena donde se representa el paraíso: un lugar en el la vida continúa de la misma forma en la que se vivió, pero adicionando dos ingredientes extras: el no-temor a la muerte (inexistente o ya materializada, jaja!) y la compañía conciente y tolerante al máximo de absolutamente todos los amigos, familiares y amores alrededor de la mesa.
En la página de palmares del Festival de Cannes se han redactado algunos elementos simbólicos relevantes, cito los más importantes y añado algunos otros más:
Ahorcamientos:
- El intento de ahorcamiento de Ivan en la casa al principio de la película - El ahorcamiento de Ivan en la iglesia de Belgrado al final de la película.
Animales
- El simio Soni, quien le enseño a Jovan a comer plátanos y a Ivan a salir del sótano, quien también es el único de los personajes principales que permanece vivo. - Un elefante (que le roba los zapatos a Crni) - El pez que Jovan cree que es el espíritu de Jelena y después es cocinado por él mismo (referencia a Arizona Dream) - Unas vacas (que salen del agua, como símbolo de la reencarnación de los muertos) - Un gato (usado por Marko para limpiar sus zapatos) - Un caballo blanco y un ganso volando en la escena que muere Marko
Religión
- La iglesia a escala que le regala Ivan a Jovan y a Jelena en su matrimonio es la misma donde Ivan se suicida, símbolo de que no podía escapar de su destino. - Cuando Petar asesina (por error) a Marko y Natalija, se apoya en una cruz con Cristo invertido, símbolo de que Dios ya no está con ellos. En esta escena la cristiandad está siendo humillada por los musulmanes, quienes a su vez también fueron humillados por el cristianismo. Mientras la humanidad siga ejercitando la Ley del Talión (ojo por ojo, diente por diente), no encontrará su camino: pronto acabaremos todos ciegos, tuertos. (algo así también dijo Ghandi).
Humor
- Cuando Marko le pone una flor a la prostituta en el trasero y después se divierte con ella mientras bombardean Belgrado - Cuando Crni le dice a Jovan: "Nunca le creas a una mujer que miente" - Crni dice repetidas veces: "cerdos fascistas sanguinarios" y "me estás poniendo nervioso".
Parodia (la película dentro de la película)
- La película dentro de la película, titulada La primavera llega, una película sobre las hazañas de los héroes de Yugoslavia Marko Dren y Petar Popara "Crni" (y la muerte de Petar), es una parodia de las películas yugoslavas de los 60 y también parodia a la misma película. - Al igual que en Forrest Gump y en Zelig, videos de archivo de la TV yugoslava se mezclan en la película; por ejemplo, cuando Marko aparece saludando a Tito.
Volar
- En el matrimonio, Jelena hace un acto de "levitación mística".
Reconciliación
- Ya en el paraíso, Marko le pregunta a Crni si lo perdona. "Puedo perdonar, pero jamás olvidar", le responde. (Este simbolo se conjuga mucho con la visión de un paraíso cristiano pero contradice a otras doctrinas del mismo cristianismo donde se afirma que, allí, ninguno se reconocerá entre sí.)
Matrimonios
- El matrimonio entre Crni y Natalija en el barco interrumpido por Franz - El matrimonio entre Jovan y Jelena interrumpido por los disparos del tanque por Soni (ambas escenas intentan mostrar al matrimonio como el inicio de otra guerra)
* Música en la película - Golub y su banda, quienes acompañaron a Marko y a Petar incluso en la muerte.
Lo demás ya queda para quienes quieran ver la película.
"Construimos nuevas casas, con tejas rojas, donde las cigüeñas construyen sus nidos y con las puertas abiertas a nuestros invitados. Le agradecemos a la tierra que nos alimenta, al sol que nos calienta y a los campos que nos recuerdan los verdes pastos en casa. Así, con dolor, tristeza y alegría, recordamos a nuestro país cuando contamos a nuestros niños historias que comienzan como todas las historias: ‘Érase una vez una tierra...’"
Con el transcurso de los años, la Asociación Francesa del Festival Internacional del Cine ha sabido evolucionar y a la vez conservar su esencia: la pasión por el cine, el descubrimiento de nuevos talentos, el entusiasmo de los aficionados al festival y de los profesionales de todo el mundo que acuden para contribuir al nacimiento y la difusión de las películas.
El Festival de Cannes ha sido siempre el reflejo de su época: el punto de encuentro de todas las culturas, de todas las esperanzas, de una notable efervescencia y, sobre todo, de la transmisión. Defender proyectos ambiciosos, diferentes, ofrecer la posibilidad darse a conocer a cineastas en ciernes. Un escaparate de talentos y el respeto por todos los gustos.
La sección oficial es el corazón del Festival. Todo lo que se espera y festeja, incluyendo las diferentes secciones: la Competición, Un Certain Regard, las películas Fuera de Competición, las Sesiones Especiales, la competición de cortometrajes y las películas de la escuela de la Cinéfondation. Todas ellas representan una antología de obras singulares, de enfoques cinematográficos originales, de descubrimientos o de confirmación de talentos, destacadas y recompensadas por los jurados.
El premio de la Caméra d’or recompensa la mejor primera película presentada en la Sección oficial (Competición y Un Certain Regard), en la Quincena de realizadores o en la Semana Internacional de la Crítica. La Cinéfondation, además de la sección, respalda la nueva generación del cine internacional a través de la Résidence y del Atelier. El Short Film Corner, creado en 2004, está dedicado a la promoción de cortometrajes.
“El Festival es un ‘no man’s land’ apolítico, un microcosmos de lo que sería el mundo si los hombres pudieran relacionarse entre sí directamente y hablar el mismo idioma” Jean Cocteau.
Este es un resumen histórico obtenido de su página oficial:
"La fundación delFestival International du Film estaba programada en Cannes para 1939. La inauguración tuvo que ser aplazada cuando estalló la guerra. Finalmente, el 20 de septiembre de 1946, se inauguró el Festival de Cannes, el primer gran certamen cultural internacional de la posguerra. El Festival se organizó en forma de asociación según la ley 1901, administrada por un Consejo de Administración, y fue reconocida como de utilidad pública a partir de 1972.
Se celebra anualmente (con excepción de los años 1948 y 1950) en mayo, aunque antes de 1952 tenía lugar en septiembre. Tras años de entregarse el Grand Prix, en 1955 se creó la Palme d’Or. Con el paso del tiempo nacerían nuevas secciones, al margen de la organización oficial: la Semana Internacional de la Crítica (1962) y la Quincena de Realizadores (1969) son totalmente independientes.
En 1972, el festival adoptó una medida que marcó un hito en su historia al convertirse en el único con potestad para decidir respecto a la selección de películas participantes. Anteriormente, sólo las películas seleccionadas por sus países de origen podían optar a la selección.
En 1978, a iniciativa del entonces Delegado General, Gilles Jacob, se creó el Premio de la Caméra d'Or para recompensar la mejor ópera prima, escogida entre las películas presentes en las tres secciones. También creó la sección no competitiva Un Certain Regard.
En 1998, Gilles Jacob creó la Cinéfondation, una selección de cortometrajes y mediometrajes de escuelas de cine de todo el mundo, que tiene por objetivo descubrir y fomentar nuevos talentos. Hoy en día, el Festival de Cannes recibe más de 1.000 películas al año, procedentes de todos los continentes, con la esperanza de ser seleccionadas.
En el otoño de 2000, la Cinéfondation inauguró en París La Résidence, que tiene por objetivo ofrecer a los jóvenes directores la oportunidad de desarrollar sus proyectos fuera de su país de origen.
En sus inicios, el Festival se asemejó a un evento turístico y mundano. Se profesionalizó en 1959, con la creación de un Marché du Film que debutó con algunas decenas de participantes y una única sala de proyección… Actualmente, atrae a 10.000 compradores y vendedores de todo el mundo. En 2000, se creó el Village International en torno al Palais des festivals para permitir a diferentes países apoyar a sus productores y a su industria.
Desde 2004,el Producers Network permite a los productores de todo el mundo intercambiar impresiones sobre sus proyectos. Ese mismo año, vio la luz el Short Film Corner, una plataforma de acogida y promoción de cortometrajes. Un año después, en 2005, se creó el Atelier: se seleccionan una veintena de proyectos, para permitir a los directores llevar a buen puerto su plan de financiación en el marco privilegiado del certamen.
En 2000, Gilles Jacob fue elegido Presidente por los miembros del Consejo de Administración y sucedió a Pierre Viot, que ocupaba este puesto desde 1985 y que se convirtió en Presidente de la Cinéfondation. A partir de 2001, Gilles Jacob contó con el respaldo de Véronique Cayla, Directora General y Thierry Frémaux, Director Artístico.
En 2007, para celebrar los 60 años del Festival de Cannes, Gilles Jacob invitó a 33 de los más destacados directores de todo el mundo a participar en la película aniversario A cada uno su cine (Chacun son cinéma), dirigiendo cada uno un cortometraje de 3 minutos sobre el tema de la sala de cine.
El cartel del 60º Festival desvela el proyecto “new jumpology”, iniciado en 2006 en colaboración con Magnum: para rendir homenaje al dinamismo de la creación, un centenar de artistas responden a la petición del Festival de posar frente al objetivo del fotógrafo Alex Majoli.
Desde noviembre hasta febrero de 2007, la exposición “One Jump!” presenta en primicia mundial en la Pinacoteca de París, una selección de 55 de estas obras que representan el “despegue” de celebridades de fama internacional.
--0-- El Ángel Exterminador, es una película de Luis Buñuel, que vio la luz en el año de 1962, uno más tarde de la obra maestra "Viridiana", acto que permitiría contar con mayor expectativa y fondos. Aunque el mismo Buñuel se quejó en alguna entrevista, en la que afirmó que "intenté conseguir a actores que tengan el menor número de rasgos latino americanos, para que la idea 'burguesa' se materialice...faltó dinero y tuvimos que buscar personal emergente. El servicio doméstico era recomendado de la maquillista, por ejemplo.".
En la película se puede apreciar cómo un grupo burgués muta en sus comportamientos refinados ante situaciones extremas y ante el temor a lo desconocido. Es perfecta y magistral en manejar el concepto real y surreal del miedo.
Los comentarios, en la página oficial del film, sobre la parte final de la película se dice que "...hay que tener en cuenta también el humor y el esperpento. Así, cuando por fin pueden salir, tras haber curiosamente conseguido estar todos y cada uno en la misma exacta postura en que comenzó la trágica encerrona y tocar la misma sonata de Paradisi que se interpretó en la recepción primera, van todos exultantes a una misa de Te Deum, y al finalizar el rito, de nuevo la inexplicable situación de que no pueden salir de la iglesia. Pero ahora ya no son una decena, sino centenas quienes están atrapados..."
La repetición de varias escenas y diálogos de la película en varios ángulos y circunstancias, sugirieron a los críticos que la obra era basta en errores de edición; sin embargo, todos fueron intencionales, con lo que la película toma un ritmo poético. Ya lo dijo Buñuel: "Siempre me he sentido atraído por las cosas que se repiten(...)". Además, se dice que disfrutaba mucho del ritual católico, como lo muertra en este film.
Una de las mejores escenas de la película "utiliza" un absoluto silencio y es, sin lugar a dudas, una de las mejores representaciones del terror como sentimiento nato del suspenso y la mente -los juegos mentales-, y no como producto de efectos especiales ruidosos y hostiles que infieren al grito, susto, pavor, etc. En la escena, la desquiciada mujer recita un reconocido párrafo del libro Sacrificio del Cordero, en latín, justo a las 3am (según los entendidos teólogos, es la hora a la que las presencias diabólicas hacen sus apariciones en una mofa espiritual a las 3pm -hora a la que se dice que murió Jesús-) y termina despertando -con un grito- en medio de la sala, con todos despiertos y emitiendo comentarios sarcásticos. La escena permite a la audiencia confundirse por varios segundos entre si lo que vieron fue verdad o un sueño.
En fin, recomiendo mucho esta película. Y a los más interesados recomiendo también leer las explicaciones sicológicas, técnicas, etc. del film en los enlaces citados al final.
Aquí la apnea referida (pido disculpas por subir este video de mala calidad y con 5 segundos de interrupción al inicio pero el que estaba antes lo cancelaron de youtube. Es la primera escena de este video):
Para quienes ya la vieron o desean volverla a ver, dejo este ejercicio / cuestionario que encontré en uno de los foros referidos al final. Buena suerte:
1. ¿Por qué crees que los protagonistas, los señores de la casa y sus invitados, no pueden salir de la habitación? 2.¿Por qué crees que los empleados del servicio consiguieron huir a tiempo de la casa? ¿Por qué regresan otra vez todos el día en que los señores vuelven a salir? 3.¿Puedes relacionar la película con la "lucha de clases" de Karl Marx? Surrealismo y marxismo perseguían la libertad: el surrealismo, la liberación del inconsciente; y el marxismo la liberación de la clase obrera. 4.¿Qué simbolizan los corderos que hay en la casa? Recuerda que el conjuro necesario para salir de la casa necesita la sangre de un inocente, del último cordero. 5.¿Qué simboliza el oso? Recuerda que siempre aparece antes de las escenas en las que se desata la violencia en el grupo. 6.¿Puedes relacionar la película con las ideas sobre el estado de naturaleza de Thomas Hobbes? 7.¿Qué simboliza la mano "andante"? 8. En la película ocurre varias veces que se repiten frases, sucesos... Recuerda tres repeticiones e intenta explicar su significado. 9. Al director de orquesta le llaman íncubo, ¿qué significa? ¿Qué es un súcubo? 10. ¿Qué significa la destrucción de los instrumentos musicales para hacer fuego y asar el cordero? Recuerda que los protagonistas vuelven de la ópera. ¿Qué connotaciones tiene la música clásica en la película? 11. Cuando los amantes deciden huir, escaparse en las sombras, resulta que se suicidan. ¿Cómo explicas que la huida se identifique con la muerte? ¿Puedes relacionar este tema con las ideas de Schopenhauer? 12. ¿Qué idea transmite la película del ser humano (del cuerpo, de los instintos, de las pasiones, de la moral, de la civilización)? Nuestra personalidad y nuestra cultura se fundamentan en la represión de las pulsiones sexuales y agresivas del inconsciente. ¿Qué autor defendía algo parecido? 13. ¿Qué es un chivo expiatorio? ¿Cuándo aparece en la película? 14. ¿Qué es la morfina? En la película parece que tiene un uso lúdico. ¿Cuál es su uso hoy en día? 15. ¿Qué son los francmasones? ¿Cuál es la palabra "impronunciable" que dicen en la puerta? 16. Hay una secuencia de la película donde mediante voces en off e imágenes surrealistas se muestran los sueños de los personajes. Alguien toca un violoncelo con una sierra y luego alguien intenta serrar el cráneo de un hombre. ¿Qué se te ocurre? 17. ¿Qué momentos de la película te recuerdan a Nietzsche? 18. ¿Por qué vuelven a quedarse encerrados en la Iglesia al final de la película? ¿Qué significan los disturbios en la calle? ¿Y los corderos que entran en la Iglesia? 19. ¿Podrías relacionar la película con Matrix? ¿Y con "Gran Hermano" o "La casa de tu vida"? 20. ¿Qué es el surrealismo? ¿Qué tiene la película de surrealista? Cita algunos ejemplos de la aplicación del surrealismo en el cine y en la literatura. 21. ¿Por qué compara las patas de pollo con las llaves? 22. ¿Por qué el título: El ángel exterminador? 23. Comenta el texto
The Imaginarium of Doctor Parnassus, es una película de fantasía dirigida por Terry Gilliam y escrita por Gilliam y Charles McKeown. En la película, el líder de una compañía teatral, mediante un trato con el Diablo, hace pasar a los miembros de su audiencia a través de un espejo mágico para explorar su imaginación. Christopher Plummer, Tom Waits, Heath Ledger protagonizan la película, pese a que la muerte de Ledger, ocurrida durante la filmación, suspendió temporalmente la producción. Johnny Depp, Jude Law, y Colin Farrell completaron el papel, personificando transformaciones del personaje de Heath, Tony, a medida que viaja por un mundo irreal. La película se estrenó el 23 de octubre de 2009.
